第261回 バリトン・サクソフォンによる《冬の旅》

▲CD　シューベルト《冬の旅》全曲（バリトン・サクソフォン：栃尾克樹、ピアノ：高橋悠治）

　2017年夏に聴いたユニークなコンサートが、いまでも忘れられない。シューベルトの歌曲集《冬の旅》全曲が「バリトン・サクソフォン」で演奏されたのである（バリトン・サクソフォン：栃尾克樹、ピアノ：高橋悠治／代々木上原ムジカーザにて）。
　通常、歌曲のコンサートであれば、聴衆には「ことば」（詩）、「旋律」（声）、「ピアノ」の３つの情報が届けられる。
　ところが、そのうちの「ことば」（詩）が、なかったのだ。

　《冬の旅》は、ヴィルヘルム・ミュラー（1794～1827）の詩集に曲をつけたもので、失恋した主人公の、さすらいの旅を描いている。失恋の経緯は詳細には説明されないが、2曲目〈風見の旗〉で、彼女は金持ちの男のもとへ走ったらしいことが示唆される。それだけに主人公の恨みや絶望感は格別で、ほとんどノイローゼ状態である。
　その後、第5曲〈ボダイジュ〉や、第11曲〈春の夢〉、第13曲〈郵便〉あたりで、若干、回復傾向も見られるものの、ショックは癒されることはない。〈カラス〉につきまとわれたり（第15曲）、イヌに吠えられたりして（第17曲〈村で〉）、最終的に、老いた辻音楽師の姿に共感し、「いっしょに行こうか」と自己を投影して終わる（第24曲〈ハーディ・ガーディ弾き〉。
　まるで彼岸をわたってあの世に旅立つかのようなラストである。

　この主人公の姿は、どこか、組織や社会に入り込めない現代人を思わせるところがある。そのせいか、《冬の旅》は、近代以降も常に演奏され、聴かれてきた。これほど隠喩に満ちた文学的興趣を誘う音楽作品は、めったにない。
　それだけに、「詩」を捨てて「旋律」のみで演奏することに、どれほどの意味があるのか、少々、不安を覚えながら会場へ向かった記憶がある。

　ところが、そんな心配は杞憂だった。高橋悠治による対訳が配布され、これがコンパクトながら、正鵠を射た訳だったのだ。

　たとえば、第8曲〈Rückblick〉は、よく〈回想〉〈かえりみ〉などと訳されるが、高橋は〈振り返る〉としている。第１連の4行は、次のように訳される。
「足裏がやける／雪と氷を踏んで／息もつけない／塔が見えるうちは」

　第14曲〈Der greise Kopf〉（霜雪の頭、霜おく頭）は〈白髪頭〉。
「霜が白い光を／髪に散らした／老人になったかと／よろこんだのに」「たちまち消えると／また黒い髪／この若さがこわい―／棺桶まで　まだ道は遠い」

　通常、この数倍もの文字数を使って訳されるミュラーの詩が、これほどコンパクトに提示されることに、驚いた。高橋悠治のHPに、ドイツ語原詩との対訳で全編が掲載されているので、ご覧いただきたい。

　この演奏が、あらためてセッション録音され、先日、CD化された。もちろん、訳詞もライナノーツに収録されている。わたしたちは、その「ことば」（訳詩）を目で追いながら、「ピアノ」と「旋律」を聴くことになる。
　これは、なかなか知的な音楽体験になる。耳と目から、まったく別の情報を得て、脳内で一体化して「世界」が完成される、不思議な感動をおぼえるはずだ。

　もちろん、「ことば」を捨てた以上、演奏者たちは、あくまで「音」のみで勝負しているのであって、「詩」を理解する必要はないと提案しているのかもしれない。
　仮にそうだとすると、面白い発見もある。
　たとえば、ある一節を、おなじ音の連続で「うたう」箇所が、ときどきある。
　典型的なのは、第20曲〈道しるべ〉で、最後の第4連の一部は、ほとんど、同じ音の連続である。（原調版で）GとＢ♭が、８分音符を中心に、いつまでも繰り返される。これに「詩」が付いていればおかしくないのだが、「音」のみだと、どうしても変化に乏しくなる。しかし奏者の栃尾は、微妙なタンギングと息の変化で、ちゃんと「語りかける」のである。「詩」がなくとも、なにかを聴き手に伝えようとする演奏者たちの思いが、伝わってくる。《冬の旅》を「ことば」なしで演奏した理由が、なんとなくわかってくる。

　高橋悠治のピアノは硬質で無機質な美しさがあり、スコアを一歩下がって透視しているようなクールな感じがある。
　東京佼成ウインドオーケストラの団員でもある栃尾克樹のバリトン・サクソフォンは、一瞬、バスーンかと思わされる美しさである（タンギングや、キイ、タンポなどのノイズもほとんどない）。
　バリトン・サクソフォンは、ふだん、吹奏楽やジャズ・ビッグ・バンドで低音部を支えることが多い楽器である（ジェリー・マリガンのようなソロ奏者もいたが）。それが、これほどの表現力があることに、驚く。まさに現代人の疎外感をあらわすのにふさわしい楽器だったのだ。
　サクソフォンに携わっている方々はもちろん、原曲のファンにも、ぜひ聴いていただきたいディスクである。
＜敬称略＞

※12月22日（日）に、渋谷タワー・レコードで、発売記念のイベントがあるようです。詳細は、こちら。

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第260回 佐渡＆シエナの《エル・カミーノ・レアル》

▲佐渡＆シエナのコンサート・ツアー（上記写真は、12/24、文京シビックでのもの）


（前回よりつづく）
　今回の佐渡裕＆シエナ・ウインド・オーケストラのコンサート・ツアーの曲目で驚いたのは、最終曲、アルフレッド・リード作曲の《エル・カミーノ・レアル》だった。
　実は、意外だったのだが、佐渡＆シエナによる同曲演奏は、実演でも録音でも、今回が初めてなのである（他指揮者による演奏・録音はある）。
　
　《エル・カミーノ・レアル》とは、直訳すると「王の道」を意味する。かつてのスペインやポルトガルが、世界中に進出していった、そのルートのことだ。曲は、そんな怒涛の世界進出のイメージを幻想的に描いている。
　ただ、「世界進出」といえば聞こえはいいが、実態は「侵略」だったとも、よくいわれる。現に、『インディアスの破壊についての簡潔な報告』（岩波文庫）などを読むと、あまりの残虐ぶりに、吐き気を催しかねない（そもそもこの本は、南米現地に赴いた聖職者ラス・カサスが、これ以上、先住民を虐殺しないよう、母国スペインの皇太子に直訴した報告書である）。

　だが、「王の道」は、至福ももたらしてくれている。カリフォルニア・ワインなども、そのひとつだ。
　1542年、ポルトガル人のホアン・ロドリゲス・カブリヨが、現在のカリフォルニア州の最南西端、サンディエゴのあたりに漂着し、「王の道」のスタート地点を切り拓いた。
　1769年には、すでにスペインに支配されていた、お隣のメキシコから修道士たちが入り込み、道沿いに修道院を建設しながら、北へ北へと進んでいった。彼らは、土地土地でブドウを栽培し、キリストの血＝ワインを生産することも忘れなかった。
　現在のカリフォルニアでワイン生産が盛んなのは、これがルーツなのである。
　
　この「北へ北へ」と伸びて行った道……これが「エル・カミーノ・レアル」と名付けられた道、つまり「王の道」である。現在では国道101号線となっているが、エリアによっていくつかの別名があり、その一部に、今でも「エル・カミーノ・レアル」の名が残っているのだ。
　作曲者リードは、おそらく、この国道名をヒントに、曲を書いたような気がする。

　「エル・カミーノ・レアル」は、日本にもある。神奈川・横浜の地に。ただし、それは「道」ではなくて「鐘」なのだが。
　サンディエゴと横浜は姉妹都市提携を結んでいる。そのサンディエゴから「エル・カミーノ・レアルの鐘」（ミッション・ベル）のレプリカが送られ、現在、山下公園内の噴水前に設置されている（「王の道」沿いに設置された修道院の鐘がモデルと思われる）。

　本稿の読者であれば、リードの《エル・カミーノ・レアル》がどんな曲かは、ご存じだと思う。1985年初演の名曲だ。特にフラメンコや闘牛を思わせるイントロ部分が有名で、2小節目でいきなりフェルマータとなり、それを乗り越えると3小節目から「4拍子」と「3拍子」が交互に登場する“乱舞”となる。
　冒頭のたった3小節で聴き手を取り込んでしまう手腕は、まことに見事だ。この出だしは「ホタ」という、スペイン東北部に伝わる3拍子の舞曲である（ファリャの《三角帽子》にも、ホタが登場する）。
　副題に「ラテン・ファンタジー」とあり、全編、徹底的に熱い、派手な楽曲である。

　これに、佐渡＆シエナが初めて取り組むという。きっとスゴイ演奏になるだろう。
　前回もつづったように、今回のコンサート・ツアーは、CDシリーズ『ブラスの祭典』の発売開始20年の記念でもある。この人気シリーズに、新たな里程標が加わる、そんな1曲になりそうな気もする。
＜敬称略＞

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第259回 『ブラスの祭典』20年

▲1999年11月リリース、『ブラスの祭典』第1弾
　（佐渡裕指揮、シエナ・ウインド・オーケストラ）


　21世紀を目前にひかえた1999年の夏は、やたらと暑かった。
　なぜ覚えているかというと、この夏、佐渡裕指揮、シエナ・ウインド・オーケストラの初レコーディングがあり、収録会場のすみだトリフォニー・ホールへ、汗を拭き拭き、ヒイコラ言いながら取材に通ったからだ。

　そのCD『ブラスの祭典』は、フランスの名門レーベル「ERATO」からの発売だった。
　日本の吹奏楽団が、フランスのクラシック・レーベルから新譜を出す、しかも指揮が、定期会員の減少などで不振だったラムルー管弦楽団を人気オケによみがえらせた佐渡裕とあって、ちょっとしたニュースになっていた。ERATOも、フランス本国からディレクターを派遣する力の入れようだった。
　このとき、佐渡＆シエナは、リハーサル、（CDとほぼ同じ内容の）コンサート、レコーディングに、ぶっ続けで10日間を費やしていた。驚くべき力の入れ方だった。
　そして、収録曲を見て、驚いた。佐渡裕の指揮だというので、てっきりクラシック編曲ばかりかと思いきや、オリジナル名曲を含む、正統派の吹奏楽CDだったのだ。

【1】《キャンディード》序曲（バーンスタイン作曲／グランドマン編曲）
【2】《アルメニアン・ダンス》パート１（リード作曲）
【3】組曲《ガイーヌ》～剣の舞、子守歌、バラの乙女達の踊り、レスギンカ（ハチャトゥリアン作曲／林紀人編曲）
【4】「ウェストサイドストーリー」～シンフォニック・ダンス（バーンスタイン作曲／岩井直溥編曲）
【5】朝鮮民謡の主題による変奏曲（チャンス作曲）
【6】主よ人の望みの喜びよ（バッハ作曲／リード編曲）
【7】星条旗よ永遠なれ（スーザ作曲）
　
　吹奏楽ファンだったら、なかなかうまい選曲だと感じると思う。チャンス《朝鮮民謡》が入っているところなど、ツボを心得ているし、リードの《アルメニアン～》は、以前のコンサートで、作曲者自身が「いままでに聴いた中で最高の名演だった」とコメントした、お墨付きの曲目である。
　また、バーンスタインの《シンフォニック・ダンス》は、いまでこそ市販で吹奏楽譜が出ているが、当時はまだなかったと思う。そこで、岩井直溥が以前より編曲していたスコアがあるというので、バーンスタインの版権管理元から、佐渡の指揮にかぎって特別の許可をもらって収録されたのだった（よって出版はされていない。なお、いうまでもなく、佐渡はバーンスタインの最後の愛弟子である）。
　この曲は長いせいもあって、特に念入りに収録されていた。たしか、70テイク近くまで収録を重ねていた記憶がある。

　とにかく、このCDにかける、佐渡とシエナ団員たちの情熱、熱気はすごいものがあった。それだけに、さらに暑く感じたのだと思う。
　このとき佐渡が何気なく口にした「学校吹奏楽部の文化祭や定期演奏会を、プロが本気でやったらどうなるかを、見せたいんですよ」との言葉が忘れられない。

　その後、『ブラスの祭典』はシリーズ化され、特に第2弾は発売1週間で1万枚を突破するビッグ・セールスとなった（ジョン・ウィリアムズ《オリンピック・ファンファーレ＆テーマ》や、ワーグナー《エルザの大聖堂への行列》などを収録）。
　第3弾では往年のコンクール課題曲を数曲収録し、リバイバル・ヒットさせている。

　そんな佐渡＆シエナが、この12月、『ブラスの祭典』発売20周年を記念したコンサート・ツアーをおこなう。曲目は、もちろん同シリーズの人気曲中心だが、恒例の「おもちゃ箱」コーナーは、通常は内容を事前に公表しないのだが、今回は「全日本吹奏楽コンクール課題曲の変遷」となっている。
　そのなかの一部の曲目を知って、なんともいえない思いを抱いた。

高度な技術への指標（河辺公一／1927～2014）
ポップス描写曲《メインストリートで》（岩井直溥／1923～2014）
ディスコ・キッド（東海林修／1932～2018）

　以上3人とも、CD発売時は健在だったが、その後、鬼籍に入っている。
　たまたまわたしは、取材などで、3人とも存じ上げていたが、共通しているのは、終戦後、占領軍施設で本場のジャズ・ポップスを身体に沁み込ませていることだった。
　特に岩井直溥氏と河辺公一氏は、占領軍専用劇場「アーニー・パイル」（現・東京宝塚劇場）の専属楽団員だった（岩井＝Trp、河辺＝Trb）。ここには、当時、日本で最高レベルのプレイヤーが集まっていた。阪口新氏（Sax）、山本正人氏（Trb）、早川博二氏（Trp、のちに課題曲《アイヌの輪舞》や、《老人と子供のポルカ》を作曲）などもいた。
　東海林修氏も米軍キャンプ育ちだ。
　こうしてみると、戦後の日本吹奏楽界のルーツのひとつが占領時代にあり、彼らの仕事と存在に、佐渡＆シエナが光をあてていたことがわかる。それらが『ブラスの祭典』シリーズとなって結実した。

　2014年9月、河辺公一さんが急逝したとき（87歳だったが、数日前まで、元気にトロンボーンを演奏していた）、ご家族だけの密葬だというのを、わたしは、無理やり押しかけて、お見送りをさせていただいた。
　河辺さんは、芸大時代の同期生・黛敏郎と親友関係にあった。黛が手掛けた映画音楽を中心とする娯楽音楽のほぼすべてに、河辺氏は参加している。たとえば、小津安二郎の映画『お早よう』（1959）は、小津には珍しいコメディで、子供たちが何度となく、オナラをするシーンがある。あのオナラの音を「演奏」しているのが、河辺さんである。音楽担当の黛とあれこれ話し合い、トロンボーンにユーフォニアムやテューバのマウスピースをつけて吹き、それらしい音にしたと語っていた。
　15年間つづいた、越路吹雪の日生劇場ロング・リサイタルの現場リーダーも河辺さんである。もっと、いろんなことを聞いておけばよかったと、悔やまれてならない。
　余談だが、《高度な技術への指標》なんて不思議なタイトルは、これも芸大時代の盟友、芥川也寸志の命名だそうだ。

　今度の『ブラスの祭典』コンサート・ツアーは、単なる回顧ではなく、こういった先達の功績や仕事を次の世代につなぐ、そんな役目もあるような気がするのは、わたしだけだろうか。
＜一部敬称略＞

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　パソコンやスマホで聴けます。　内容の詳細や聴き方は、上記「BandPower」で。

◆ミステリを中心とする面白本書評なら、西野智紀さんのブログを。　
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